lunes, 25 de marzo de 2013

Crítica teatral: El hombre más aburrido del mundo


Por Bruno Mateo
 
@Bruno_Mateo

 Corría el año 1993 y ni siquiera se pensaba en alguna posibilidad de un teatro para el suroeste de Caracas, pero pasadas dos décadas se celebra el vigésimo aniversario del Teatro San Martín de Caracas, y decidieron  festejarlo con la puesta en escena del nuevo texto de Gustavo Ott (1963) “El hombre más aburrido del mundo”  desde el 16 de marzo de 2013 con las actuaciones de José Gregorio Martínez, David Villegas, Héctor Caro, Leonardo y Gibbs y Jénnifer Morales y la puesta en escena de Luis Domingo González.

 Un texto audaz que aborda la vida del doble agente  catalán Joan (Juan) Pujol García, nacido en 1912 quien desempeñó un papel decisivo  en el éxito del desembarco en Normandía al final de la Segunda Guerra Mundial. La información falsa que Pujol, bajo el nombre clave alemán Arabel,  proporcionó a Alemania ayudó a convencer a Hitler de que el ataque principal sería más tarde y en otro lugar, Paso de Calais (Francia), lo que resultó en su decisión de reducir las tropas en la zona del desembarco. Después de la guerra, Pujol se sintió atemorizado por posibles represalias políticas y se mudó a Venezuela, donde vivió en el anonimato (hizo creer a la gente que había muerto en África en 1949 de malaria). Murió en Choroní, una población en el estado Aragua, a 146 kilómetros de Caracas, en 1988. (De la enciclopedia libre de Wikipedia)

Lo que hace interesante de esta nueva producción discursiva de Ott es la correspondencia entre  la realidad con la ficción,  utiliza para ello, el elemento del teatro. Resulta, que aquí, Juan Pujol es una fanático del arte escénico y como vió tronchado su ambición, aplicó éste a través de la creación de multiples personajes, los cuales, a su vez conforman la red de espías imaginarios del tercer Reich . Hay un diálogo constante  muy bien llevado entre la realidad de la  II Guerra mundial (1939-195), marco contextual de la historia, y la ficcionalidad de la diégesis dramática.  Es una obra audaz que transforma la realidad en ficción  y la ficcionalidad  en verdad. Como la pieza comienza con el Pujol viejo en el año 1988 en Caracas con una referencia  directa al Festival Internacional de teatro  de esa época nos encontramos con nombres de teatreros del país, tales como Rengifo, Chocrón, Cabrujas, Chalbaud hasta desembocar en un pequeño homenaje dentro del mismo montaje al recién desaparecido Rodolfo Santana, el cual, por cierto, encaja perfectamente en la puesta en escena de Luis Domingo González.

El montaje en tono de farsa nos causa buena impresión en tanto la puesta en escena y planta de moviemientos de los actores. Una combinación perfecta fue la de usar técnicas audovisuales del video, muy en boga en la actualidad teatral venezolana. El ritmo ágil está muy acorde con el género farsesco empleado.

Debo cerrar estos caracteres acotando que las actuaciones del grupo de los cinco actores estuvieron acertadas y lograron la caracterización de los personajes. Sólo debo advertir en lo peligroso que puede ser engancharse con el público para buscar la risa fácil que noté en varios momentos de la pieza. Hay que destacar la interpretación del actor José Gregorio Martínez que nos brinda una magnífica creación en el rol de Juan Pujol García. Nos convence plenamente en todas sus edades, cosa difícil es que un joven actor interprete a un viejo sin caer en el clisé, sin embargo, Martínez nos “engaña” y creemos en la vejez de Pujol a pesar de su asencia de arrugas en su rostro.

Saludo como un buen acierto el  montaje “El hombre más aburrido del mundo” de la gente del Teatro San Martín de Caracas.

 

High con 40 mil espectadores


por E.A Moreno-Uribe

Después de presentar 150 funciones, para más de 40 mil espectadores, el estrujante espectáculo teatral High cierra su temporada este 31 de marzo, un récord en lo que va del siglo XXI. En la sala Trasnocho estuvo siete meses y ahora se despide, después de 12 semanas, en CorpbancaBOD, revela Luis Fernández, actor, director y coproductor.

 Explica Luis, que, con su esposa Mimi Lazo, siempre ven obras en el exterior, para disfrutar grandes trabajos. Y también buscan inspiración y propuestas para digerir y traducir a nuestra realidad. “En el caso de High, de Matthew Lombardo, nos tocó una fibra profunda en mí. La manera como cuestiona la fe y los prejuicios, como desnuda a sus personajes desde sus fallas y adicciones y como termina desnudando a los espectadores, me resultó novedosa en su manera despiadada y sin tregua. No es algo que se ve todos los días en un escenario, y, para nosotros, que todos los días los pasamos en escena, eso es justamente lo que buscamos”.

-¿Cómo llega a sus manos?
-Mimi conversaba en el intermedio del espectáculo, en Nueva York, con un muchacho que tenía a su lado en la sala, mientras yo recurría al vodka de rigor, imprescindible para acompañar esta pieza. Al final, el hombre nos vio aplaudiendo de pie, llorosos, y le comentó a Mimi que él era uno de los productores. Nos presentó al autor y al director y al día siguiente nos invitaron a cenar en un restaurant. Allí sellamos el trato y en menos de un año estrenamos nuestra versión en Caracas. Sin embargo, no creo en críticos ni Mimi cree en estadísticas, sino no estuviéramos donde estamos, de manera que dejamos que nuestro instinto prevaleciera sobre lo que parecía el sentido común, y en lugar de retractarnos y optar por otro texto, emprendimos la tarea con mayor ahínco.
Admite que pocas veces un texto los golpea con tanta franqueza. “Para todo teatrero, un golpe al corazón desde la escena es un milagro. En eso nos centramos sin escuchar a terceros. Evidentemente suponía un enorme riesgo, pero con tantos años ya corriendo riesgos, sabíamos que teníamos una plataforma que podía soportar cualquiera que fuera el resultado. Como artistas no sólo pensamos en el público, que sin duda es crucial, también queremos explorar y experimentar cosas nuevas. Eso es excitante y rejuvenecedor. No es mucho lo realmente nuevo que puede llegarte luego de décadas en el teatro, pero cuando llega, llega con todo y uno tiene que tener la visión, el tino y la valentía de encararlo con todo.

-¿Qué vio para explotar o utilizar en Caracas?
-High apela a la esencia básica de las fallas humanas. Identificarnos en las miserias es siempre catártico y muy poderoso. Cuando el trabajo se logra, llega además incuso a ser terapéutico para todos. Me aproximé a High desde la más absoluta vulnerabilidad. Montarla fue como contarle al mundo un secreto muy privado sobre una falla muy grande que he ocultado. Desde ese punto de confesión y búqueda de redención personal me impuse el trabajo y se lo impuse al resto del equipo. Conceptualmente, High ocurre en un sótano al que tenemos la oportunidad de espiar. Me propuse crear un momento privado de 30 segundos, con música de Caramelos de Cianuro, en el cual sus tres personajes se muestran sin filtro. Eso permite que el espectador en los primeros 30 segundos de la obra se haga un juicio inmediato de lo que son estos tres individuos. A la hora de transcurrida la obra, entienden que el juicio estaba errado. Ya al final, no les queda más que reconocer que el juicio lo hacían ellos mismos, y que estos personajes están más cerca de nosotros de lo que quisiéramos reconocer.

-¿Cómo fue el trabajo con los actores?
-Carlota Sosa y Christian McGaffney son extraordinarios. Se expusieron sin temores a recorrer el duro camino que propuse, confiaron en mí y se dejaron guiar de una manera que no cualquier actor se arriesga a enfrentar. High no sería nada sin sus trabajos superlativos.

-¿Qué pasó con el público?
-El público ha respondido de manera extraordinaria. No sólo ovasiona la obra de pie, sino que convierte, con sus comentarios en Twitter, a High en un trending topic, con frecuencia a la salida de la función. Ha sido una marea de más de 40 mil espectadores que nos han dado un regalo maravilloso. No sólo sus elogios, sino la certeza de que High era posible y más aún, necesaria. Creo que durante años muchos intelectuales han subestimado al público y se han sobreestimado ellos con espectáculos aburridos, pretensiosos y sin mayor sentido que la gratificación onanista de sus egos. El teatro es texto, actor y público. Con High partimos de una gran obra, tenemos actuaciones brillantes y esa masiva  y maravillosa audiencia nos completa el triángulo para ratificarnos que esto es justamente eso: ¡Teatro!

Nuevos valores
Luis admite que nunca se ha llevado bien con los conservadores. “Verlos ahora danzar alrededor del Papa, alegrándose porque es argentino, como si se tratara de la coronación de Susana Jiménez en Roma, me produce náusea, de modo que trato de no verlos mucho y de no opinar demasiado sobre sus ritos. Conservo la certeza de que eso que llaman Valores Tradicionales, (que por cierto no tengo idea de para qué pueden servir, porque evidentemente para hacernos felices no sirven), son los principales enemigos de la evolución. Creo que el hombre no tiende naturalmente al bien y debe inventarse reglas y valores, ciertamente, pero no podemos apegarnos a los valores de nuestros padres o a las reglas de 1953. Todos los que tengamos la pretensión de ser librepensadores tenemos la obligación de fabricarnos nuevos y verdaderos y efectivos y productivos y constructivos nuevos” valores para permitir la evolución de la moral y crear un escenario más fértil para que el desarrollo de las nuevas generaciones nos conduzcan a un mundo más feliz, realizado y pacífico, cosa en la que la Iglesia y todos los seguidores de la tradición han fracasado estrepitosamente”.

Ángel caído
 High revela una terapia de rezos y de encierros católicos a los cuales someten al prostituto gay y drogadicto Andy (Christian McGaffney), en una ONG a cargo del sacerdote Miguel (Luis Fernández) y la monja Helena (Carlota Sosa).El tratamiento para sacarlo de las drogas y su adicción al sexo mercantilizado fracasa y Andy, tras desnudar en varias ocasiones como consecuencia de sus crisis, se suicida con una sobredosis. El espectáculo tiene un ritmo trepidante, logrado por la música y los violentos ritmos  de las actuaciones de Christian y Carlota, el ángel caído que se resiste a que lo rescaten y la enfermera de su alma y su vituperado cuerpo, quien no está segura en su fe y ni sus métodos.

viernes, 22 de marzo de 2013

FITC2013. “Nadie lo quiere creer”. Un sainete macabro


Por Bruno Mateo
@Bruno_Mateo

El día jueves 21 de marzo de 2013 en el Teatro Municipal de Chacao, ubicado en la avenida Tamanaco de El Rosal del Municipio Chacao  uno de los 5 que forman el Distrito Metropolitano de Caracas, en Venezuela, abierto en 2011, se inauguró el XVIII Festival internacional de teatro de Caracas, con la pieza “Nadie lo quiere creer” de Eusebio Calonge para el Teatro inestable La Zaranda de Andalucía, Cádiz, España, un sainete muy particular que juega con los espectros del pasado con tono macabro. Definiendo al macabro como aquello que participa de la fealdad de la muerte y de la repulsión que ésta suele causar.

Tres personajes, una vieja  que vive recordando su glorioso pasado, lleno, según ella, de blasones, escudos y linaje, pero mutilada de brazos, en bancarrota y viviendo en un  casa grande en ruinas. Un hombre viejo, sobrino de ella, fracasado que sólo aguarda que su tía muera para heredar algo. Una mujer vieja que ha pasado la vida cuidando a la dueña de la casa viviendo en la espera de la muerte de la señora para, también, heredar. Tres seres anodinos que gravitan en un hogar derruido por el tiempo y accionando en el tiempo de lo que pudo haber sido y no fue. Una historia en modo subjuntivo.

Desde una perspectiva sociológica, y tomándome la licencia de un análisis comparativo entre la realidad española actual y esta pieza escrita y montada por un grupo español, podría decir que es una metáfora de la España contemporánea. Así como, es válido usar al personaje de Bernarda Alba de García Lorca como un símil entre la Iberia de 1936 en vísperas de la Dictadura franquista, también es legítimo pensar en esta vieja como la España vigente, la cual se encuentra, actualmente,  en una crisis profunda viendo hacia su pasado lleno de fantasmas.

El juego de la puesta en escena de “Nadie lo puede creer” se desarrolla en un espacio circular que nos refiere a un lugar estático, sin luz, sin hogar, es decir sin vida. Los ventiladores en escena nos hace imaginar olfativamente el olor a cloroformo, a lo necrofílico  de la casa. La pieza es de esos montajes que, al principio, pareciera no emocionar, pero a medida que avanza el diálogo y las acciones nos va introduciendo en un mundo distinto, en este caso, una realidad deliciosamente macabra. Delicioso en tanto los parlamentos de humor negro, muy típico de la identidad española. La ironía de Quevedo (1580-1645)  está en esas voces de los actores que nos dibujan en nuestros rostros espectadores una sonrisa trágica. Nos reímos de la  acción, pero lloramos por la realidad de esas palabras dichas, aparentemente a la ligera.

El grupo La Zaranda, después de más treinta años desde que emprendiera su periplo teatral, nos vuelve a encantar. Un trabajo con lenguaje propio que busca en las raíces identitarias de su imaginario cultural la memoria ancestral que trasciende a cualquier geografía por la invitación a reflexionar  sobre la fragilidad del ser individual dentro de un colectivo.

jueves, 21 de marzo de 2013

Comienza el Festival internacional de teatro de Caracas 2013


Con un espectáculo que combina música, ritmo, teatro y danza de la reconocida agrupación Primate Percusión Teatral y el performance de Origama Estudio, con técnicas corporales aéreas, será la gran clausura -el domingo 31 de marzo- de esta nueva edición del Festival en la plaza Sadel, referencia obligada para el arte y el entretenimiento de Caracas.

Carmen Ramia, directora del Ateneo de Caracas y responsable del Festival, aseguró que en momentos tan difíciles para Venezuela, la cultura y el teatro son vitales pues terminan siendo una de las mejores herramientas para la resistencia. Además, recordó que fue por el empeño del Alcalde de Baruta, Gerardo Blyde, que hoy este espectáculo es un hecho.

“Sin su apoyo, no sería posible. Aun recuerdo aquella reunión en su despacho en la que se puso en contacto con el resto de los alcaldes porque se empeñó en que sí se podía. Hoy, por segundo año, lo tenemos como nuestro principal aliado”.

En sus comienzos, de hecho, el Festival Internacional de Teatro era financiado completamente por el estado, recordó Ramia. En esta etapa se realiza gracias a las Alcaldías de Baruta, Chacao y Sucre, la Gobernación de Miranda y en cooperación con embajadas e institutos privados.

El telón de esta nueva puesta en escena subirá el jueves 21 de marzo en el Teatro Chacao, con la compañía española Zarabanda, una de las nueve agrupaciones internacionales, provenientes de España, Corea, Colombia, Ecuador, Italia y Argentina que, junto a una coproducción alemana-venezolana y a 18 grupos nacionales estarán presentando, durante once días, más de 60 funciones.

Como parte de la programación especial, Baruta contará además con un lugar de encuentro donde se realizarán presentaciones de stand up comedy, conciertos y djs, espacio en el que tradicionalmente se reúnen los grupos de teatro extranjeros.

Esta edición del Festival rinde homenaje a María Teresa Castillo, impulsora de este encuentro de las artes escénicas hace ya más de 40 años.

Para conocer la programación completa del Festival ingrese a la web fitcaracas.blogspot.com. Para la programación de Baruta, visite la página web de la Alcaldía wwwalcaldiadebaruta.gob.ve.

GRAN PREVENTA DEL FITC 2013
Costo de las entradas:

Obras Internacionales Bs. 225+iva en las salas: Teatro Chacao, Teatro Trasnocho, espacio Plural
Obras Internacionales Bs. 80 en: Teatro Cesar. Rengifo y Sala Cabrujas
Obras Nacionales Bs. 160 en: Teatro Chacao, Teatro Trasnocho y Asoc. Humboldt
Obras Nacionales Bs. 140 en: Espacio Plural
Obras Nacionales Bs 80 en: en Sala Cabrujas
Obras Nacionales Bs. 50 en: Teatro Cesar Rengifo
Sala Rajatabla aun por definir.

Paises Invitados y presentes en esta XVIII edicion del Fitc:
Argentina, Alemania, Colombia, Corea, Ecuador, España, Italia y Venezuela

Teatros participantes:
Teatro Chacao, Teatro Trasnocho, Espacio Plural, Teatro Cesar Rengifo, Sala Cabrujas, Asoc. Humboldt, BOD Corp Banca Centro Cultural (Sala de Concierto y Espacios de Arte P.H.), Sala Rajatabla.

domingo, 17 de marzo de 2013

Tierra Santa en el FITC

por E.A Moreno-Uribe

Dentro de la programación del 18 Festival Internacional de Teatro de Caracas -del 21 y el 31 de marzo- hay que exaltar la participación del Taller Experimental de Teatro con la más reciente pieza de Elio Palencia, Tierra Santa, la cual vimos en la Sala César Rengifo de Petare, bien puesta en escena por Costa Palamides y apuntalada con las actuaciones comedidas de Guillermo Díaz Yuma, Ludwig Pineda y Yazel Parra.

Elio Palencia con su  Tierra Santa plantea un viaje de ida y vuelta a nuestra Tierra de Gracia, por intermedio de un drama contemporáneo para que los venezolanos nos veamos mejor. Esta obra no es banal ni evasiva, sino todo lo contrario: hace pensar o reflexionar sobre lo que somos como pueblo.

El espectáculo, que no va más allá de 70 minutos, transcurre en el patio de una modesta casa, en Caracas o cualquier población del interior, donde los hermanos Mayor y Segundo, quienes han pasado los 60 años, van y vienen con sus diálogos al pasado familiar para compararlo con el presente que viven o sufren y hasta para fantasear sobre la construcción de un mejor futuro, compartido incluso. Mayor, peleado con su esposa, y Segundo, viudo o abandonado,  se recriminan por la difícil realidad socioeconómica en que se encuentran, pero son interrumpidos, en repetidas ocasiones, por unas adolescentes, amigas o familiares que se pasean por la casa de Segundo, casi todos embarazadas o buscando novio o novia, como para subrayar que la vida sigue a pesar de todo.
Al final, Mayor reconoce que logró estudiar  en una universidad para sacar un grado en Teología y el regalo que le hace uno de sus hijos es un viaje al Medio Oriente, la Tierra Santa. Por lo que todos los proyectos con su hermano Segundo se paralizan, como aquel de montar un restaurante en la barriada donde este vive, porque decide regresar a su residencia donde su esposa lo espera tras perdonarle algunas infidelidades o malacrianzas. ¡Y colorín colorado…este cuento se ha acabado!

La homofobia, presente en casi toda la dramaturgia de Palencia, está ahí: Segundo, homófobo per se, admite que tiene un hijo viviendo con otro hombre y que una nieta es lesbiana. ¡Detalles que provocan risa entre el público!
¿Qué es esta obra? ¿Otro sainete criollo con ribetes dramáticos en medio de nostalgias propias de la vida semi rural que ha sido desplazada por la civilización urbana, pero sin perder el léxico y otras conductas? No está muy lejos el autor Palencia (Maracay, 1963) de un costumbrismo contemporáneo y va más allá: aborda ese limbo social donde moran millones de hombres y mujeres de edad madura, mientras las nuevas generaciones luchan por emerger, instalándose en las ciudades grandes para lograr un trabajo, mientras las mujeres, que también migran, deciden entregarse a la reproducción, además  de  estudios universitarios o técnicos a su alcance. ¡Pueblo trabajador!
Tierra Santa atrapa por la sencillez de su anécdota y la naturalidad de sus criollos personajes, soñadores por los cuatro costados, aunque semicontrolados por los celulares y la televisión escapista y alienante.

En síntesis, Elio Palencia vive su mejor momento creativo. Está cosechando lo aprendido y lo que su talento está aportando para el arte teatral de su Patria.

sábado, 16 de marzo de 2013

Festival Municipal de Teatro de Vargas 2013



Del 11 al 18 de mayo de 2013… 
Una semana intensa de puro teatro…

El Gobierno Bolivariano de Venezuela, a través de la Alcaldía del Municipio Vargas: FUNDESVARGAS, convoca a las agrupaciones teatrales nacionales y extranjeras al Festival Municipal de Teatro de Vargas, a celebrarse en distintas locaciones de este municipio entre el 11 al 18 de mayo de 2013.

El encuentro está dirigido al público en general, con espectáculos de teatro, teatro-danza, teatro-circo, títeres, performance y teatro de calle, que cuenten con un carácter de alternativas para la escena, de la narratividad de espacios no convencionales y que promocionen la difusión cultural dentro de las localidades turísticas de la región. De igual forma, a lo largo del Festival se llevarán a cabo ponencias, foros y jordanas sobre la didáctica del teatro en y para la comunidad.

Se dará prioridad a aquellas propuestas que partan de jóvenes directores e intérpretes, abriendo la posibilidad a aquellas propuestas que posean un claro foco de intervención artística a espacios no convencionales desde lo urbano y lo turístico de la comunidad varguense. Sin dejar de contar con los necesarios espectáculos de sala.

BASES Y CONDICIONES

1.- FECHA DE REALIZACIÓN: DEL 11 AL 18 DE MAYO DEL 2013

2.- LOS (AS) PARTICIPANTES

A) Los (as) participantes invitados podrán hacerlo a través de espectáculo, ponencia, crítica, foro o curso dentro de la jornada didáctica.
B) Podrán incluirse propuestas conjuntas (Foro – Espectáculo, Ponencia–Foro, Ponencia–Espectáculo, etc.). Así como actividades relacionadas al encuentro.

3.- LA INSCRIPCIÓN

Es obligatorio enviar por correo electrónico a femut-vargas@hotmail.com:
a) Planilla de inscripción. (Pueden descargar dicha planilla de femut-vargas.blogspot.com o solicitarla al correo)
b) Video en DVD sin editar (si el audio tiene fallas, adjuntar texto).
c) Información adjunta. Críticas, fotos, antecedentes y todo material que contribuya a una evaluación más acabada del espectáculo propuesto.
CIERRE DE INSCRIPCIÓN Nacional e Internacional: 24 de Marzo de 2013.

4.-LA SELECCIÓN 

Un comité especialmente conformado, este año por artistas locales y nacionales, definirá los espectáculos seleccionados para integrar la muestra del encuentro, también designará los suplentes. Los participantes elegidos deberán confirmar su participación dentro de los 7 días de recibido el aviso, caso contrario serán sustituidos.

5.- DE LAS PROPUESTAS

A) Espectáculo con una duración mínima de 30 minutos.
B) Podrán ser grupales o unipersonales, con textos originales, adaptaciones o creaciones colectivas. Para espacios convencionales y no convencionales, de teatro de calle, teatro-danza, infantiles y/o juveniles, adultos, etc.
C) Los tiempos de armado y desarmado deberán ajustarse al mínimo.

6.- TRASLADO

A) A las agrupaciones nacionales: el traslado hacia y desde el municipio Vargas correrá por cuenta de las agrupaciones participantes (integrantes, utilería, escenografía, etc.). Por otro lado, se cubrirá el transporte interno requerido durante su estadía y participación en el Festival.
B) A las agrupaciones extranjeras: el traslado hacia y desde Venezuela, correrá por cuenta de los participantes (integrantes, utilería, escenografía, etc.). Por otro lado, se cubrirá el transporte interno requerido durante su estadía y participación en el Festival.

7.- ALOJAMIENTO Y COMIDAS

Se proporcionará hospedaje y alimentación a los participantes en las fechas acordadas para su participación en el evento a un máximo de 8 personas, incluyendo a su director y técnico/s. En caso de unipersonales se tendrá en cuenta al intérprete, y 2 asistentes más. No se cubrirán los gastos excedentes.
El Festival ofrece a las agrupaciones participantes provenientes del interior del país un máximo de dos noches de hospedaje. Por otro lado, a las agrupaciones provenientes de Miranda y Distrito Capital, una noche de hospedaje.

8.- LAS DISTINCIONES

FUNDESVARGAS y el Equipo de Coordinación de FEMUT-VARGAS distinguirá con certificados, discos con fotografías y/o video, carteles, programas y revistas, a los participantes seleccionados para el Festival. FUNDESVARGAS y el Equipo de Coordinación no asume compromiso de retribución económica de ninguna especie a las agrupaciones elegidas para integrar la programación del Festival. Por otro lado, FUNDESVARGAS y el Equipo de Coordinación, ofrece a sus participantes Nacionales e Internacionales, paseos y actividades de esparcimiento dentro de las localidades turísticas del Municipio, con el fin de promover el turismo y el encuentro cultural dentro de la región.

9.- LAS BASES Y CONDICIONES

El envío de la planilla de inscripción llena con los datos de la propuesta a inscribir implica la aceptación de las Bases y Condiciones del Festival. FUNDESVARGAS y el Equipo de Coordinación se reservan el derecho de realizar cualquier modificación pendiente a resolver aspectos de coordinación y logística, en el cumplimiento de los objetivos del encuentro. Los interesados pueden solicitar mayor información vía correo electrónico femut-vargas@hotmail.com. Se recibirán inscripciones hasta el 24 de Marzo de 2013 para agrupaciones Locales, Nacionales e Internacionales, y la selección será publicada a más tardar el 15 de abril del mismo año.
Los interesados pueden solicitar mayor información y la planilla de inscripción a femut-vargas@hotmail.com.

“En aras de la transformación social narramos el arte teatral con el fin de atender y formar la reflexión de la patria…”

viernes, 8 de marzo de 2013

Comunicado de duelo


La Asociación Venezolana de Crítica Teatral, a través de su Junta Directiva, se une al sentimiento de duelo nacional que embarga al país con motivo del fallecimiento del ciudadano Presidente de la República Bolivariana de Venezuela,  Hugo Rafael Chávez Frías, y expresa su más profundo sentimiento de condolencia a sus padres, hermanos, hijas, hijo, familiares, allegados, miembros del gabinete ejecutivo y a todo el pueblo venezolano.

 En este momento de profundo pesar en el que las circunstancias demandan el cobijo de los más altos sentimientos de todos los ciudadanos, hacemos votos  porque la armonía y la paz prevalezcan entre los venezolanos, y que la fe y la fortaleza  brinden el consuelo necesario para transitar con esperanza estas horas aciagas para toda la nación.

 

 Asociación Venezolana de Crítica Teatral

jueves, 7 de marzo de 2013

CONVOCATORIA IV CONCURSO DE OBRAS TEATRALES “MARITA KING”


Bases:
l.- Con el propósito de estimular la dramaturgia nacional, la Fundación Cultural “Marita King” abre su     IV Concurso de Obras Teatrales “Marita King”.

2.- Podrán participar en el Concurso escritores venezolanos y extranjeros residenciados en Venezuela.
3.- El plazo de admisión de las obras expirará el 15 de junio del 2013. El veredicto del jurado será dado a conocer el 15 de julio del 2013.

4.- El concursante deberá enviar cinco copias de su obra a  Román Chalbaud. Fundación Cultural “Marita King”, ubicada en  Residencias  Parque Estrella, Torre B, PH2, Avenida Cajigal, San Bernardino, Caracas (1010)

5.- Las obras enviadas deben ser inéditas, y las mismas deben enviarse en sobre cerrado con la expresa indicación: IV Concurso de Obras Teatrales “Marita King” y firmadas con seudónimo o lema. En otro sobre, dirigido en igual forma, constará la identidad del autor. En ambos sobres deberá indicarse el título de la obra y el seudónimo o lema.

6.- El jurado calificador seleccionará una (1) sola obra ganadora, que la Fundación Cultural “Marita King” podrá montar y/o publicar, a su elección, dentro de los dos (2) años siguientes al premio.

7.- El premio consistirá en la cantidad de Bs.F 10.000,00 (DIEZ MIL BOLIVARES FUERTES)

8.- El jurado calificador estará integrado por Román Chalbaud, Leonardo Azparren Giménez, Edgard Antonio Moreno Uribe, Carlos Herrera y Luis Alberto Rosas.  

9.- La sola participación en este Concurso implica aceptación de las presentes bases.
10.-Lo no previsto en estas bases será resuelto por el Consejo Directivo de la Fundación Cultural “Marita  King”

L.A.R.

Caracas, 27 de febrero del 2013.

martes, 5 de marzo de 2013

La más fuerte

De izq a der: Estepahanie Carrizales/Vanessa León


Por Bruno Mateo

 
Dentro de la vasta programación del FTC2013  organizado por Fundarte, la cual incluye un gran número de grupos de teatro nunca visto que hacen vida en Caracas,  se presentó en el “Eje del buen vivir”, Bellas Artes el monólogo “La más fuerte” (1888)  de August Strindberg dirigida por Sheila Colmenares, interpretado por Vanessa León y Estephanie Carrizales, una producción de Ángel Pelay para el naciente grupo “Las tres gracias”.

El montaje nos resultó un excelente trabajo  actoral y estético. Resulta que este intenso monólogo de la Señora X dirigido a la Señora Y (Amelia) ubicado en la fría Suecia nos lo ubican en la cálida zona tropical de Latinoamérica y entre los boleros más famosos de La Lupe las dos mujeres desnudan sus inquietudes amorosas por el mismo hombre. La esposa habla, la amante calla. La poderosa voz de la joven Estephanie Carrizales interpretando boleros nos dan un tiro certero a la pasión venezolana , a su vez la actuación justa de Vanessa León de una mujer frustrada que consiguió con una pírrica batalla a su marido nos lleva a compadecerla. La dirección de las actrices es un híbrido muy bien logrado entre las dos técnicas de actuación más usadas en el mundo: el naturalismo y el teatro físico.

Este monólogo fue llevado a escena estilo café concert, en donde los espectadores formamos parte del mismo montaje. Interactuamos directamente con el trabajo. Es un montaje bastante arriesgado por la combinación de géneros escénicos utilizados, pero debo decir con mucha responsabilidad que las jóvenes de “Las tres gracias” lo lograron. Tal vez, por su vasta preparación en la técnica actoral, las tres son egresadas de la Escuela nacional de artes escénicas César Rengifo y estudiantes de la Ucv, excepto Sheila Colmenares que es egresada de la misma casa de estudios. Lo que me lleva a pensar que la preparación académica y técnica es importante para enfrentar el teatro.

La puesta en escena y dirección general de Sheila Colmenares es atrevida. Atrevida en tanto tropicaliza una obra sueca con elementos propios de nuestra identidad: el bolero, el chiste que esconde el juego verbal sexualizado de los venezolanos, la voluptuosidad de las mujeres. Una mezcla de técnicas de actuación: la organicidad, el varieté, la interacción directa con el público, los movimientos propios de la biomecánica, todos con los boleros de La Lupe cantados  en vivo.  El montaje pasa de la comicidad;  de la diversión al drama; de la cantante simpática  a la mujer amante de un hombre casado envuelta en su propia baja autoestima; de la mujer irónica a la mujer rabiosa por estar atada a un hombre que no la ama. Es un trabajo muy rico en matices. Tal vez, no apto para ojos puristas del teatro. A aquellos espectadores acostumbrados al género natural y gracioso del teatro les chocará el montaje.

Un trabajo sencillo. Pocos elementos escenográficos. Un vestuario acorde con los personajes. Un montaje que, para quienes lo vimos, lo recordaremos como algo grato.
Correo-e:ciudadescrita1@gmail.com
@bruno_mateo 

 

lunes, 4 de marzo de 2013

"Pedro y el Capitán"

Adolfo Nittoli y Vicente Peña
Por Walter De Andrade

“Pedro y el Capitán” es una de las tres piezas de teatro escritas por el uruguayo Mario Benedetti (le anteceden "El reportaje" en 1958, e "Ida y vuelta" en 1963) . Publicada en 1979, el texto supuso para el escritor el reto de adentrarse en “un género muy difícil, creo que funcionó porque tiene nada más que dos personajes; yo con tres personajes en teatro no doy...” comentó. Esos dos personajes son un torturado y un torturador quienes en una sala de interrogatorios desarrollan un diálogo que deja al descubierto las dimensiones humanas de cada uno. Según palabras del mismo autor, no pretende ser “el enfrentamiento de un monstruo y un santo, sino de dos hombres, dos seres de carne y hueso, ambos con zonas de vulnerabilidad y de resistencia”. En este enfrentamiento se van deshojando las diferencias morales e ideológicas, las distintas concepciones de ver el mundo, y cae como un mazo la advertencia de que el poder corrompe y destruye lo que de humanos nos queda. 

El grupo teatral Repico, con Consuelo Trum en la dirección general, tomó el texto del uruguayo y lo hizo escena en la sala Rajatabla los pasados 26 y 27 de febrero en el marco del Festival de Teatro de Caracas 2013, con una propuesta muy bien definida en sus propósitos. 

El escenario se reduce a un pequeño espacio, un cubo blanco de no más de 2mts cúbicos, levantado en perspectiva frontal, que de entrada dirige la atención del espectador como si de una gríngola se tratase y lo inserta también en la reducida opción del preso, lo hace compartir la angustia, potencia la inquietud, la claustrofobia que puede arropar a Pedro se traslada al espectador, quién se mueve impotente en su silla, cambia de posiciones, busca respiro, pero está tan atado como la víctima. La tensión va in crescendo en cada uno de los cuatro actos en los que se divide la pieza, y en ese transcurrir los personajes experimentan una progresiva transformación. Pedro, va mutando de víctima a vencedor, y en este cometido es exitosa la interpretación de Vicente Peña. Logra adentrarse en la fatiga física y mental del detenido, va creciendo entre suplicio y suplicio, y lo que del cuerpo se queda en la máquina de tortura (aplicadas fuera de escena) lo recupera en la entereza de sus ideales, de su espíritu. Por su parte, Adolfo Nitolli asume enteramente la fuerza del Capitán, pasa de inquisidor en pleno control a suplicante atormentado por su conciencia. Cada acto de la pieza lo recibe con una prenda menos de su rígido uniforme militar, se despoja de ropas como de bríos y termina acorralado por su contradicción interna. En la represión que el poder ejerce ambos son víctimas. El vestuario (Joaquín Nández) y la iluminación (Lina Olmos) son atinados en su expresividad y aportan contundencia. 

Lo que sí resultó ruidoso, es la presencia adrede de una camarógrafa que registra planos detalles del interrogatorio para su proyección en tiempo real, y aunque es explícita su participación como elemento de la puesta en escena, su deambular interrumpe y no le aporta dividendos a una propuesta que luce consolidada en su poética y su plástica. 


domingo, 3 de marzo de 2013

Caracas de festival (I)

El Festival de Teatro de Caracas regresó en su segunda edición como vitrina para una gran variedad de grupos nacionales que se presentan en diversos espacios.

La inauguración se realizó en el Teatro Nacional y estuvo a cargo de Lazo Producciones que presentó El último amante, texto del norteamericano Neil Simon, producción de Mimí Lazo y dirección de Luis Fernández. El argumento pone en escena a un hombre en principio tímido que desea ser infiel y para ello invita a una mujer que conoció en el lugar donde trabaja a la casa de su madre. Como no concreta nada, intenta llevar a cabo la infidelidad en dos oportunidades más aunque sin éxito.

Esta comedia juega con el tema de la pareja infiel e intenta dar un punto de vista que termina por ser tradicional pese al interesante manejo del humor. Sin embargo, el trabajo presentado por Fernández no posee la concreción necesaria porque permite un exceso de improvisaciones y situaciones que desvirtúan el texto. Esto hace evidente la imprecisión de los actores a la hora de seguir la trama original y convierten la representación en una mezcla de risa burda y fácil. En este sentido, las interpretaciones de Lazo y el mismo Fernández, que se muestran más precisas al principio, se pierden totalmente con las frases que incluyen para complacer al público. Igual sucede con la estética. La sala de un apartamento es decorada con tendencias minimalistas, aunque no se corresponda con la descripción que se ofrece de la misma ni con la condición social de la dueña del lugar. Todo lo anterior demuestra la falta de rigor y de sentido de la escena que Fernández ha mostrado como director en anteriores montajes.

En el Teatro Alberto de Paz y Mateos, la agrupación TEMPO (Teatro Estable de Muñecos del Estado Portuguesa) y el Centro Nacional de Teatro presentaron la coproducción La colección del peregrino, escrita por Daniel Di Mauro y dirigida por Carlos Arroyo. Este es un interesante espectáculo que integra escenas de teatro de actores con teatro de títeres para contar una parte de la vida de Lope de Aguirre, interpretado de manera extraordinaria por Aníbal Grunn.

En la Sala Rajatabla, Kabré teatro llevó a escena Hippos-equino, inspirada en Equus de Peter Shaffer, escrita y dirigida por Wilfredo Tortosa. Un joven que ha dejado ciegos a seis caballos es tratado por una psiquiatra que descubre cómo la religión le ha marcado la vida. La versión resta fuerza a muchas de las situaciones originales y la dirección agrega elementos no se integran cabalmente, solamente el personaje principal logra la franqueza que se requiere con su interpretación.

El festival apenas está comenzando.


Joaquin Lugo

Publicado en la columna "En las tablas" del Diario Tal Cual.

Mátame de risa


Por Bruno Mateo

Una familia fuera de lo normal, un papá payaso, dos tíos payasos  que fueron despedidos de sus trabajos en la televisión alegando que  están pasados de moda  dentro del nuevo mundo de los videos juegos y un hijo que es obligado por la Directora de su colegio a odiar a los payasos porque ella tuvo un desagradable encuentro con un “cara pintada” en un cumpleaños pasado es la historia que usa Karim Valecillos en su pieza “Mátame de risa” montaje hecho por el grupo Delphos en coproducción con Evelin Navas Producciones y grupo actoral Dram-ON para la programación infantil de este II Festival de teatro de Caracas en el recién recuperado Teatro Simón Rodríguez ubicado en Sarrias, el cual contó con la presencia del Alcalde Jorge Rodríguez y 650 butacas ocupadas por los asistentes.

Un montaje lleno de colorido, canciones, bailes y payasadas fueron el deleite de todos. El vestuario y el maquillaje fueron un acierto en la estética. El teatro infantil requiere de precisión en el lenguaje y los símbolos, para que así el significante teatral no pierda la esencia del significado textual y pienso que este montaje alcanza esta homologación  del signo “sausseriano”  La puesta en escena de Luis Alberto Rosas fue dinámica usando para ello tres puertas móviles y multifuncionales que recrean  los distintos escenarios. Logra las atmósferas necesarias que permiten llegar a la moraleja de la historia, “así seas un contador público, que es lo que deseaba ser el hijo del payaso, tienes que reír antes las adversidades”. Una de los puntos más interesantes de la pieza es que, a pesar de que usan los típicos elementos del payaso  como las persecuciones, los apretones de manos con electricidad, lo hacen para burlarse de ellos mismos. Es de acotar que el texto es muy rico en matices y recursos literarios como el retruécano, la aliteración, entre otros.
Las actuaciones de los cinco actores están muy acordes con sus personajes, cada actor asume su rol con profesionalismo. No necesitaron del viejo truco de “me enganchó con el público” y hago lo que sea para que se rían. Fueron concisos en su gestual,  cambio de voces, energía, ritmos y demás elementos actorales,  lo que permitió un buen desempeño en el escenario. Los actores mantienes ese ritmo vertiginoso sin desviarse del objetivo de la pieza.  Es un cuerpo sólido de actores. 

Como toda historia para niños, la mala que no es mala porque le da gana de serlo, sino que tiene una razón justificada o no para ello, sale vencida porque los payasos con sus actos circenses logran matarla de risa.
“Mátame de risa” es un excelente espectáculo para niñas y niños en donde la dramaturgia, los actores y la puesta en escena se amalgaman con la sola finalidad de deleitar al espectador de una manera responsable.


@bruno_mateo

sábado, 2 de marzo de 2013

ACTO CULTURAL EN EL TEATRO NACIONAL

Por años, el Grupo Actoral 80 no había pisado las tablas del Teatro Nacional. En la 2da edición del Festival de Teatro de Caracas 2013, esta situación se revirtió. Variados los escollos para este notable grupo no lo hubiese hecho y que, podría decirse que fue producto de la marcada polarización que divide la nuestra realidad política hasta factores de concertación entre instituciones; sin embargo, más allá de una u otra razón, lo positivo fue la política de inclusión que les permitió que solo hubiese sido la mirada / recepción del público quien le diese la validación a los contenidos ideológicos y artísticos expresados por el GA80.

Un autor esencial como lo fue –y sigue siendo, José Ignacio Cabrujas (1935-1995) ha sido llevado de las manos por este colectivo hace ya varios años; incluso, en 2013, dos de sus piezas más primordiales como Profundo (1971) y Acto Cultural (1976) han sido cotejadas en puntos disímiles de nuestra urbe: la primera, en su temporada que mantienes en una sala del este de la ciudad con costos de taquilla difícilmente accesible para el grueso de la ciudadanía y otra, que se inscribió en la vitrina del FTC-2013 a un costo popular. Aun así, hubo Cabrujas para el este y para el oeste.

Cabrujas y su teatro ha mantenido un firme atracción a diversos públicos y para distintas generaciones. Casi toda su producción dramática supo expresar lo que para el escritor, Ibsen Martínez era ese magnético sentido de decirnos cosas, de que como dramaturgo suscribió hacia 2011, afirmando que tras el oficio de la dramaturgia tuvo esa aguda perspicaz para definirnos y definirse, pero que, especialmente logró aparejar en sus obras una “burlona disposición al escepticismo, su desengañada sabiduría sobre cuan prescindible ha sido y es Venezuela para el mundo”.

Ello se constata porque para un público conformado por distintas clases sociales con diversidad de miradas ideológicas se pudo sentar, uno al lado del otro pleno en ansiosa expectativa tanto el 28 de febrero como el 01 de marzo para retomar a su amado José Ignacio desde el Coso de Cipreses. Un público que lo disfrutó y valoró tras el sólido trabajo del GA80 con la diestra dirección de Héctor Manrique que hizo que Cabrujas siga estando más vivo que nunca y sobre todo, hacernos pensar que este autor debe estar en los grandes teatros del oeste de la ciudad- para que siga expresando su pensar a la sociedad del nuevo milenio.

De lo cotejado como respuesta conceptual, estética y artística ofrecida por el GA80 pra esta producción de Acto Cultural diré que hizo honor a lo que el texto expresaba. No hubo excesos; aunque si algunos que otro algún acento para proyectar la postura del pensar que sostiene un creador como Manrique. Eso lo dijo y eso se le respeta porque el espectador era quien debía o no validarlo. La unidad visual fue limpia; el trabajo con el espacio compacto; la iluminación (de José Jiménez) correcta sin sumar o minimizar nada; la producción artística de Carolina Rincón plena en todos sus aspectos y, sobre todo, el sentido actoral como unidad discursiva tanto en la construcción de los personajes como en su exposición individual como de conjunto fue homogénea, llena de desparpajo y con riqueza en lo lúdico de los matices que hizo aplaudir a la platea.

Daré un rotundo aplauso al conjunto actoral conformado por Samantha Castillo, Melissa Wolf, Juvel Vielma, Daniel Rodríguez, Angélica Arteaga, Héctor Manrique y Juan Vicente Pérez que, con atinada soltura sobre la escena afirmaron que, con profesionalismo y unidad en lo que se deseaba hacer, el teatro será siempre algo imborrable en la memoria de todos.

Por Carlos E. Herrera
Marzo 2013

Santana en el FTC 2013

De izq a der: Luis Carlos Boffill, Moisés Berroterán, Greison Medina y Fedra López


por EA Moreno-Uribe

El caraqueño Rodolfo Santana Salas sin permiso se fue de gira, aquel 21 de octubre de 2012 desde la Guarenas, donde se crio con la familia de mamá Aura, cuando iba a cumplir 68 años. No obstante,  alcanzó a ver y manosear dos tomos (937 páginas) con sus 15 piezas teatrales que le publicó el Fondo Editorial Fundarte. Previendo que Caronte podría arruinarle su agenda, propuso a Freddy Ñañez como le gustaría ver representada Una tarde poco fastidiosa, porque practicaba el obricidio: la reescritura de algunos textos tras verlos desde la escena y en comunicación con el público. ¡Mañas que utilizó para reformular varias obras y hacerlas más trascendentales!

“Honrar, honra”, predica José Martí. Y Fundarte, en alianza con el Grupo Séptimo Piso (Dairo Piñeres), lo complació y Una tarde poco fastidiosa, por ahora, se exhibió en cinco funciones de la programación del II FTC 2013, en el Teatro Nacional, con las actuaciones de Moisés Berr, Juan Pablo, Gleison Medina, Fedra López y Luis Carlos Boffill, dentro del dispositivo, diseñado por Edgar Gil.

Para Boffill (cubano estudioso) la dramaturgia de Santana, vertida a varios idiomas y mostrada con éxito en América y Europa, se centra en la problemática social, lingüística, cultural y humana de Venezuela y Latinoamérica en general, e invita siempre a reflexionar sobre amargos puntos de la temática de este continente: violencia, identidad, costumbres, sincretismos, magia, santería, el poder político, influencia nefasta de los medios de comunicación,  el deporte en las sociedades, etcétera. Y por eso que Una tarde poco fastidiosa plasma una alucinante metáfora a partir de innumerables crímenes y masacres en diferentes ciudades del mundo, lo cual “la convierte en obra vanguardista y de profundo impacto por la construcción psicológica de sus personajes y trama en cuestión, a los que Santana nos mantuvo acostumbrados”, enfatiza el caribeño comediante.

Por la escena  desfilan los jóvenes amigos Miguel, Javier y Rudi, inmersos en sus respectivos espacios y totalmente alienados con la insana utilización del Internet, marginados en una sociedad capitalista que perturba mentes, genera  resentimientos y alienaciones letales. Estos muchachos deciden arremeter contra la sociedad, incluyendo a sus progenitores, conscientes del final que les aguarda. Son víctimas de la burla de sus propios compañeros de clases, porque tienen a Rosa, madre alcohólica de Miguel, la familia de Javier sin valores morales y un hogar que incita a la violencia como el padre de Rudi; además del abusador sexual, psicópata y ex convicto Alfonso Antúnes y el oprobio de la “familia ejemplar” de los Strauss. En síntesis: juventud desesperada, sin amor familiar y diletante de las tecnologías de las redes sociales, que asesina y se deja matar, como lo enseña ese perverso humor a lo Santana.

El montaje luce grandioso, no solo por la daliniana escenografía, sino porque el director Piñeres revela la perversa utilización de las laptops y las mini filmadoras, en medio de un ensordecedor concierto de música acida. Conceptualmente es impecable su puesta, pero las actuaciones juveniles dañan el producto final. ¡Vuelve Santana!

Este espectáculo requiere unos ensayos intensos con los actores jóvenes para que estén a la altura de las performances de Fedra López y Luis Carlos Boffill, una pareja impactante de veteranos de las tablas.
Santana recomendaba el obricidio y nosotros pedimos el teatricidio para purificar algunos montajes, como este precisamente.

viernes, 1 de marzo de 2013

¿Diversos?



Por Walter De Andrade

La resistencia ante lo diferente tiene en el ser humano implicaciones fatídicas. De ese rechazo, que no es otra cosa que miedo, se han originado aniquilaciones, genocidios, guerras, homofobia, xenofobia, maltratos y más, de una larga lista negra de atrocidades. Tan voraz como ridícula, esta realidad es abordada en la pieza “¿Diversos?” una producción del Teatro Nacional Juvenil de Venezuela, co- dirigida por Jorge Cogollo y Costa Palamides y cuyas funciones tuvieron lugar en la sala Doris Wells de la Casa del Artista los días 23 y 24 de febrero, en el marco del Festival de Teatro de Caracas 2013.

La propuesta reúne en un mismo espectáculo dos textos: “El Manchado” de Ariel Barchilón y “Océano interior” de Walter Sánchez, ambos dramaturgos argentinos. En “El Manchado” se narra el encuentro de un hombre que acude a una repartición de empleos y se enfrenta al filtro de un sistema autoritario en el rostro de dos funcionarias. El hombre (interpretado por Larry Castellanos) aparece como un clown, como un ser único, de distinto semblante, nariz roja, ropas anchas, hablar calmoso, en contraste con el perfecto uniforme militar planchado de las funcionarias que le reciben. No pasa el filtro, tiene una mancha, y debe ser sometido al “tratamiento”. “El poder autoritario puede construir o destruir identidades, cuerpos” reza parte del texto de la obra, y allí se resume la historia, que reflexiona y denuncia con un humor que llega a conmover. Las funcionarias (Lismar Ramírez y Vanessa Morr) luchan por quitarle “la mancha”, insertarlo al deber ser, a lo aceptado, a la sociedad bien delimitada; pero por momentos dejan asomar vestigios de su libertad reprimida. La dirección del joven Cogollo acude con certero manejo a los simbolismos, juega con imágenes y metáforas que resultan incisivas. El elenco responde y comprende la teatralidad de la propuesta y así lo transmite. 

En “Océano interior” la experimentada dirección de Costa Palamides asume la historia de María José, o José María, según quién sea su interlocutor. Él, ella, acude a una mesa de votación y debe convencer, enfrentar a los presentes a la realidad de que podemos ser uno y miles, que nuestra identidad no reposa en un simple documento. Acá el elenco conformado por Theylor Plaza, Argenis Ciriaco, Sergio Briceño y Vanessa Morr recrea satisfactoriamente el conflicto planteado. Para finalizar los actores rompen su “máscara” y se presentan diciendo qué los hace diferentes y únicos como seres humanos, ofrecen el escenario y los espectadores responden, se suman y hacen lo propio. La comunión es inmediata e inevitable. El mensaje ha llegado. 

Acto cultural en FTC 2013

Héctor Manrique. Director del Grupo actoral 80
por EA Moreno-Uribe

No hay vademécum para descifrar al teatro de José Ignacio Cabrujas, preñado de metáforas, porque era un pensador comprometido, formado con un tanto de marxismo y otro poco de existencialismo, y después devino en dramaturgo.  Algunos críticos se devanaron los sesos explicando tal frase o una situación escénica de sus piezas. Y el más sorprendido por tanta sapiencia fue él, quien elaboró sagas con énfasis en la humanidad de sus personajes y en el contexto donde vivían. Las pergeñó con estructuras cómodas para que fuesen degustadas por el público basto o intelectual. Pero su característica vital es que exuda venezolanidad, condición que lo hace comprensible para los auditorios del mundo.

Cabrujas (1937-1995) respetó al público y por eso la sencillez y el sano humor que muestra Acto Cultural, la cual, después de 37 años, volvió a la escena del Teatro Nacional, dirigida por el primer actor Héctor Manrique, quien actúa al lado de otra valiosa generación actoral, como son: Melissa Wolf, Samantha Castillo, Angélica Arteaga, Daniel Rodríguez y Juan Vicente Pérez. Con producción, música, utilería, iluminación, vestuario y asesoría de Carolina Rincón, Aquiles Báez, Oscar Salomón, José Jiménez y Eva Evanyi, respectivamente.

Acto cultural, la joyita del FTC 2013, es un excelente y agridulce teatro que montan tres parejas de diversas edades, moradores de San Rafael de Ejido, para festejar 50 años de su sociedad dedicada a fomentar las artes, las ciencias y las industrias. Exhiben el dramón histórico Colón Cristóbal, el genovés alucinado, pero durante la representación se desdoblan y afloran contradicciones, frustraciones y las perennes derrotas en que han vivido. El cuento sobre el descubridor de un mundo es un pretexto para intentar trascender como artistas antes esa comunidad que los contempla, pero la realidad es que están íngrimos.

 “El buen teatro se explica solo y desde la escena” o “Nadie debe temer a lo obvio o lo simple”, podrían haber sido algunos de sus lemas, pero Cabrujas escribió teatro como quiso y ahora espera a la audiencia de esta centuria para que disfrute y saque sus propias conclusiones.

Acto cultural ,  como lo explica Leonardo Azparren Giménez, es la mejor metáfora de esa Gran Venezuela que el país creyó ser a partir de 1974 por la bonanza petrolera, donde la gente de San Rafael de Ejido tiene o quiere tener una visión grandiosa de si, haciendo caso omiso de lo que son en realidad…“Queda claro el plan de Cabrujas: revisar y desmitificar la historia oficial de un héroe, ser fiel con los fracasados que tanto le interesan, hablar de lo que le pasa y deslastrarse de mucho más”.
¡Anoche, los caraqueños aplaudieron hasta rabiar porque se vieron en escena! ¿Cabrujas alude a la soledad del artista en una sociedad que lo ignora? ¿Cuestiona al país que vive únicamente para efemérides y no afronta los problemas que lastran su desarrollo?

¿Y qué podemos decir del espectáculo como tal? ¡Grandioso! Como tenía que ser con una institución, el Grupo Actoral 80, festejando sus primeros 30 años de vida útil y demostrando porque sí tienen futuro. Todos los comediantes jóvenes revelaron que aprendieron la lección y que con ellos no se perderá el buen teatro venezolano, especialmente la múltiple Melissa, y que el veterano Manrique, a quien yo hace años bautice como “el zar del teatro”, que cada vez es mejor, como el buen vino.