La escena de mayo

Por Carlos Herrera
@cehs1957
@avencrit

La cartelera teatral caraqueña ofrece sus opciones. Uno como espectador asume ir a lo que ella ofrece y de ahí deriva las formas del quehacer de nuestros grupos y creadores de la escena. Siempre es tan disímil y a veces, tan diversa que, decidir por tal o cual tendencia sería francamente enojoso debido a que se podría dejarse seducir en espectar lo que ciertos grupos y directores exponen como búsqueda escénica lo que iría en detrimento de lo que se esfuerzan en producir y mostrar otros. Por lo tanto, asumo con la mayor honestidad, acercarme a ver esa diversidad y sus manifestaciones siempre y cuando haya el tiempo y que ciertas condiciones lo faciliten.

 Dentro de las producciones cotejadas que les puede comentar están por ejemplo, lo ofrecido por la emergente agrupación Hageo Teatro AC quien en una presentación única, exhibió el monólogo Teresa Carreño, la pasión en el Auditorio del Banco Central de Venezuela. Bajo la sobria puesta en escena del joven Alexander Malinowski y la producción de Sady Noguera, el texto teatral que aborda aspectos de la vida artística y personal de la nuestra excelsa pianista del s. XIX, toca con fina agudeza la dimensión no solo aspectos personales y sentimental de esta célebre pianista sino esa ansiedad del creador frente a la fama y al recuerdo. Teresa Carreño fue asumida con fuerza y con magnífica disposición de entrega por la actriz Mariana Gil. Una artista que supo darle cuerpo y alma a su papel, ella supo con plenitud técnica en manejo de voz, coherente capacidad con el ritmo interno y en especial, apuntalar las inquietudes y ansiedades de su personaje, hacerlo convincente ante los ojos del público que asistió a verla. Mariana Gil ha apostado en firme por ser una artista y está consciente que deberá seguir transitando por mil y un problemas, por decenas de escollos pero si algo que si consta es su tenacidad y su talante como creadora. Es una joven actriz que llegará lejos. Desde Caracasesteatro le aplaudimos y auguramos éxitos en próximas presentaciones de esta producción la cual debería ser programada por Fundarte u otros entes culturales porque es trabajo que habla de nuestros valores y ello es fundamental en este aquí y ahora de revisar con audacia lo nuestro.

 Siguiendo, otros caminos, pude ver el montaje escénico de uno de los grupos de mayor trayectoria teatral para niños. Me refiero al grupo El Chichón radicado en la Universidad Central de Venezuela. Con el espectáculo Polo, Pelota amarilla escrita por Jesús González Dávila y con la pertinente dirección general del también joven Eliecer Paredes, se logró articular en pleno escenario de la gran Aula Magna un espectáculo que tanto por su animosa trama del bombero Polo que desea ser mago hasta las vicisitudes que debe encarar dentro de su periplo en este mundo y comprender que la amistad y el aspirar a cambiar son elementos propicios para tener una mejor vida, hacen que, el público se entusiasme y siga cada aspecto de está fábula.

 Con Polo Pelota amarilla se constató un trabajo con de fondo tanto en el reto de concebir el tratamiento del espacio, sumar los aportes de vestuario de Mercedes Álvarez, lo escenográfico de Jessica Pautt y un buen trabajo de iluminación de Luís Díaz, aparte del ensamblaje musical (composición musical) de Wahari Meléndez y lo coreográfico de Carmen Violeta Pérez y el soporte de animación visual de Luís Medina sirvieron para que la búsqueda de Eliecer Paredes se centrará en sacar partido al talento, soltura y frescura de un grupo actoral que a buenas luces, otorgó su sello porque no solo son jóvenes histriones plenos de energía sino de convicción sobre la escena. Doy pues, un reconocimiento a todos por igual ya que son el alma de este hermoso trabajo y merecen ser aplaudidos los logros de Ruth Mota, Isabella Hernández, Oriana Pérez Ríos, Valentina Hernández, Angélica Burgos, Víctor Pérez así como a Adriana Castillo, Daniella Núñez, Alexandra Véliz y Victoria Mota. Todos juntos siguen diciendo desde su capacidad de entrega que el lema de El Chichón sigue vigente: “Duro y a la cabeza” Vida en el teatro y más si es por gente joven

Compadres y gochos al poder

Castro, López Contreras y el Benemérito (foto cortesía Samuel Hurtado) 

Por Edgar Moreno Uribe
@eamorenouribe
@avencrit

El artista Javier Vidal y su familia no  descansan. Ahora presentan un melodramático espectáculo teatral sobre dos venezolanos, nativos de la región andina, quienes cambiaron la historia del pais: Cipriano Castro y Juan Vicente Gómez. Se trata de  Compadres, el cual hace temporada en El Espacio Plural del Trasnocho Cultural, los viernes a las 8pm, sábados y domingos a las 7 pm.

El autor Vidal explica que esta nueva pieza forma parte de un díptico con  Diógenes y las camisas voladoras, su exitosa obra de la temporada 2011, en cuanto a estructura, tema, género y hasta personajes, “si tenemos en cuenta que los tres varones protagónicos son andinos venezolanos: Eleazar López Contreras, Castro y Gómez”.

Apunta que cuando Simón Alberto Consalvi asistió al estreno de  Diógenes y las camisas voladoras, le comentó lo mucho que le interesó y aparte de escribir el prólogo de su edición impresa, asomó la posibilidad de que continuara escribiendo teatro de base histórica.

Vidal entusiasmado siguió las recomendaciones de SAC y comenzaron a emerger ideas de su pieza   sobre los compadres   Castro y   Gómez.

JUSTIFICACIÓN

“Para ello el eminente intelectual, ex ministro y periodista me regaló su libro, autografiado, La guerra de los compadres. Durante más de un año estuve dándole vueltas al tema leyendo más libros sobre ambos personajes. No es de creer, pero cuando retomé el tema para sentarme a escribir, y así pasó, me llamó el periodista Samuel Hurtado para darme, de primera mano, la trágica noticia del mutis de Simón Alberto. La depresión tocó fibra y me activé. Dejé la inspiración a un lado y comencé a transpirar para dar a luz esta pieza que tanto le debe a Consalvi. He aquí porque  Compadres aparecen en mi dramaturgia”

Esta es la justificación escénica del autor cuya pieza está bajo la égida de Julie Restifo de Vidal y las actuaciones de Juan Carlos Gardié como Cipriano Castro; Antonio Delli en el papel de Juan Vicente Gómez y Jan Vidal-Restifo encarnando a Eleazar López Contreras en los tiempos de la Aclamación (1906) hasta su derrocamiento (1908). Completa el elenco la novel Laura Gardié en el personaje ficcional de “La ninfa”.

La temporada se extenderá hasta el mes de Julio y participan Carlos Medina en la ambientación y arte; Raquel Ríos en vestuario, siendo la propia Julie Restifo la encargada de la musicalización y Samuel Hurtado en la producción general para Jota Creativa en asociación con El Nacional y la Embajada de España.

SAINETE DEL PAIS

La directora Julie Restifo se concentra en la fuerza interpretativa de sus actores en una pieza que emerge del sainete de un país que se retrata en el género. “La tragedia de un país en un tiempo que nos acerca a un siglo de distancia y se troca en tono bufo; sin proponérselo la pieza parece un instante de nuestro acontecer político inmediato”, quien se estrena en este nuevo rol cuando cumple los 35 años sobre las tablas. Cuenta que la pieza dramatiza los meses que transcurrieron entre la renuncia del presidente Castro, su aclamación, enfermedad y posterior exilio forzado de 1906 a 1907, cuando Gómez asume el poder. Los diálogos ocurren entre Castro y su compadre y el joven edecán Eleazar López Contreras; el único personaje femenino será una víctima del apetito sexual del presidente y su carácter desenfrenado, que llevó al país a la ruina y atraso. Esta es una obra sobre militares andinos y los juegos de poder, la ambición, el nacionalismo a ultranza y las máscaras que utilizan los personajes para disfrazar sus verdaderas intenciones. Es masculina, es juego de varones. El personaje de María de Magdala, la Ninfa, a cargo de Laura Gardié, es el único toque femenino en la historia".

HISTORIA EN GOTAS

El 23  de mayo de 1899 comienza "La invasión de los 60" desde Cúcuta, liderada por Cipriano Castro, su compadre Juan Vicente Gómez y Eleazar López Contreras, de 16 años. Después de algunas batallas a lo largo del paso de los Andes, entran triunfantes a Caracas el 22 de octubre de 1899 y Castro asume la jefatura del Estado. Hacia 1901, Castro es designado Presidente Constitucional dela República de Venezuela por una asamblea de los concejos municipales. El 9 de diciembre de 1902 lanza su proclama contra el bloqueo de las costas venezolanas por los buques de guerra de Gran Bretaña, Alemania e Italia. Hacia 1904 es aprobada la nueva Constitución y Castro es designado Presidente Constitucional de los Estados  Unidos de Venezuela para el periodo 1904 a 1911.

EL CABITO

La trama es dialogada por tres presidentes venezolanos en cadenas de mando cronológico (Castro, Gómez y López). El único personaje femenino es La Ninfa, adolescente en flor a punto de abrir. La Aclamación de Cipriano Castro es una jugada estratégica del mismo Castro, conocido como “El Cabito”, para medir su poder frente a sus aliados y adversarios. La acción transcurre en los espacios del Palacio Presidencial entre los años 1906 al 1908. Al llegar una núbil doncella a recitar una de los laudatorios poemas, Castro queda prendado de ella, como es habitual, y al quererla cortejar, su compadre Gómez, ya la tiene comprada para que sacie sus ímpetus de forzada virilidad en declive. Frente a López, Castro se declara haber perdido el ímpetu de su fortaleza viril, algo que deprime mucho al Cabito. La llegada de su enfermedad y la imposibilidad de ser intervenido quirúrgicamente en Venezuela, devela el interés de viajar hacia Alemania y ser operado por especialistas en enfermedades de cierta envergadura. Castro tratará de amarrar los poderes con Gómez sin dejar de hacer alianzas con López. Una nueva aparición de la Ninfa abre un nuevo conflicto sobre otro vástago de Castro nacido fuera del matrimonio. Matrimonio que jamás tuvo descendencia legítima, pues Doña Zoila (esposa de Castro) nunca le pudo dar un hijo. La Ninfa se encierra en claustro monjil y Gómez esconde al bebe. Castro se despide y su compadre asume el poder de facto anunciando la alborada de un país que se volverá a hundir en el atraso, la represión ideológica, la supuesta  democracia y  un peculiar “progresismo”.

La fiesta de los moribundos

Por Carlos Herrera
@cehs1957
@avencrit

Ya la cartelera teatral capitalina ha salido de la onda post FTC- 2014. La dinámica escénica fluye y se diversifica con el estreno de varios proyectos escénicos tanto de grupos consagrados, medios y emergentes. En cuestión de una semana o a lo sumo en quince días habrá nuevamente un festival de teatro no declarado. Por lo pronto, será el espectador quien decida que ir a ver tanto en el este, centro o en el oeste de esta urbe en materia de teatro de autor nacional, propuestas basadas en dramaturgos europeos y hasta clásicos; habrá para público infantil y de adultos. Ello es garantía que la dinámica – no se habla de calidad – está vibrante. Si se uniesen las dos carteleras que promocionan la oferta en medios impresos locales veríamos el fenómeno de un teatro vario pinto que sigue diciendo que la búsqueda del público está más álgida que nunca.

Para indicar solo algo de esta dinámica en cuanto a estrenos, está lo concretado por Tumbarrancho Teatro en los predios del Ateneo de Caracas con la obra de Karín Valecillos, Al borde FM dirigida por Jesús Carreño; en la Sala Río Teatro Caribe - situada en San Bernardino - está el proyecto escénico concretado por el grupo Teatro Ouróboro y Río Teatro Caribe donde el actor y director, Alberto Alcalá asume particular visual sobre la obra En la soledad de los campos de algodón de Bernard-Marie Koltés; de igual manera, en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, el grupo Encuadre Teatral estrenó Postales de Bohemia con puesta en escena de Katty Rubenz y finalmente, la joven agrupación Mirada Creativa asumió bajo la dirección de Dayana Velázquez, la pieza La fiesta de los moribundos del clásico, César Rengifo en la Sala Experimental del Celarg.

Al acercarme como espectador a este último montaje, logré constatar que la gente joven sigue en su trabajo de búsqueda artística desde el cual decir que están allí, que más allá de los aciertos o desaciertos de su proyecto teatral, la escena sirve como puente entre su formación, la concepción de un trabajo desde el cual engranar sus destrezas y técnicas y de catapulta de una praxis para eso que es la validación ante el “monstruo de mil cabezas” que es la recepción del público. De hecho, no es un estreno sino su tercera temporada donde al haber asumido La fiesta de los moribundos escrita por Rengifo bajo la fórmula de comedia satírica en la cual apela a la perspectiva trágica sofoclea sin que reste su gran capacidad de realismo social y que abre a los ojos del espectador a los asuntos del inescrupuloso mundo comercial que se hace de la compra del cuerpo humano y que se ve como un producto comercial que sirve para lucrar, la crítica del autor sigue vigente en esta sociedad globalizada y marcada por la codicias de los grandes empresarios de la muerte.

La puesta en escena dada por Velázquez hizo énfasis sobre los potenciales talentos de su grupo. La pieza demanda que varios personajes fuesen de edad y era difícil ver esto por la plenitud vital de los actores aun cuando buscaron componerlos de la forma más natural que pensaban; sin obstante, es algo más que empeño sino de actitud y eso, lo aplaudo. No es cuestión de ser joven y no dar el papel al 100 % sino decir su verdad ante el público y que la misma sea auténtica y esté en sintonía con la verdad del auto. La puesta como tal, no ofreció sorpresas pero si sus ganas de generar que el espectador supiese que con textos de esta naturaleza se efectúa con más certeza que errores – porque es dramaturgia cercana y nuestra- dibujar lo que es propio de lo que han comprendido y hasta mostrado desde la creación teatral.

Aplaudo las interpretaciones dadas por Dionys Fuentes ya que en él hubo ese sentido de hacer patente su reto sobre las tablas; también a Pedro Olarte – quien con muchos furcios propios del día del estreno - logrará adecentarlo ya que tiene experiencia. Los créditos finales son para Belkis Villarroel, Germán Carrero que, con altas y bajas dieron a sus papeles lo que sentían debían darle; finalmente, a Aura Arelis, Andilay Chirinos y Carlos Rivero de quienes se espera haya otros retos para verlos crecer.

Chalbaud canta Bingo en el Bolívar.

Cortesía de El universal, Venezuela

Por Bruno Mateo

@bruno_mateo
@avencrit

El pasado 26 de abril de 2014 dentro de la 3era edición del Festival de teatro de Caracas se estrenó la pieza Bingo del dramaturgo y cineasta Román Chalbaud, por cierto la única obra venezolana que se estrenó durante los quince días que duró el Festival, con las actuaciones de Francis Rueda, Aura Rivas, Gladys Prince, Ludwig Pineda y Vito Lonardo bajo la dirección y puesta en escena de Costa Palamides en una coproducción del Teatro del Duende y CNT en el recién inaugurado Teatro Bolívar con el que se suman 26 salas de teatro formales en la ciudad de Caracas.

La pieza transcurre en un ancianato en Nueva York  al cual llega un venezolano  buscando el trabajo de “cantador” de bingo y entretenedor  de las residentes; el lugar es dirigido por un hombre gerentofílico de mediana edad.

El montaje con una escenografía de paredes de tul blanco e iluminación metálica nos permite ver los intríngulis de la dinámica de las habitaciones. El texto del maestro Román Chalbaud es simple, sin complicaciones dramáticas con diálogos mordaces y sarcásticos sobre la vejez, la vida, la muerte, el sexo y el poder  los cuales son magistralmente interpretados por sus actores, en lo particular, quedé fascinado con la interpretación de Francis Rueda, quien le imprimió a su personaje una deliciosa malicia y sabrosura femenina muy al estilo de “femme fatale” ; también hay que acotar que la señora Aura Rivas deleitó con su interpretación de señora alocada deseosa de nuevas pasiones sexoafectivas logrando el equilibrio perfecto entre el recato de señora y la pasión de mujer.

Bingo será un éxito entre un público que gusta de ver grandes actuaciones sin complejidades filosóficas ni existenciales porque se trata de una pieza con diálogos de doble sentido que con la edad logramos comprender.

 

 

LECTURAS DEL FTC-2014 (y 3)

El pretendiente.
 

Por Carlos Herrera.
@cehs1957
@avencrit

La tercera edición del Festival de Teatro de Caracas culminó ayer con un rotundo éxito tanto como actividad programática como por el amplio espectro de trabajos teatrales exhibidos. Su impacto superó una suma cerca a de 120.000 espectadores. No hubo sala o espacio programado donde se hubiese percibido no menos de un 90% de su aforo abarrotado de un entusiasta espectador. Ello indica que aun en los momentos de máxima tensión social, el teatro es bálsamo para la catarsis, es vaso comunicante con mensajes, temas y perspectivas que tocan la sensibilidad, la reflexión y la respuesta del ciudadano en este tiempo del s. XXI. Teatro como ágora es sin duda, el logro de sus organizadores. Un reconocimiento y un espaldarazo a que más allá de todo aspecto político económico, la realidad y la necesidad de una vitrina como esta se sostenga en tiempo y espacio. El que haya estado las diversas maneras del hacer y que los antagonismos ideológicos pudiesen dialogar desde la escena siendo el público su gran juez, lo dijo todo. El teatro es ante todo ceremonia y ritual, es comunicación y capacidad tolerante de mirar la vida desde varias ópticas y que la síntesis del arte y la tolerancia reflexiva sea su núcleo vital.

Primera lectura. Estrenar dentro de la vitrina de un Festival en pleno apogeo es uno de los retos más vibrantes que tiene todo grupo. Muchos factores pueden ir a favor o en contra; sin embargo, si el viento es favorable el trabajo de creación impondrá una recepción y una sintonía inigualable en la memoria del público. Esto y más ocurrieron ayer con el estreno de la pieza teatral Bingo del sempiterno autor merideño, Román Chalbaud en el Teatro Simón Bolívar. El tema de la senectud donde se hilaba una ácida comedia con un tono reflexivo sobre las pulsiones que aun laten en los cuerpos de seres de la llamada tercera edad fue, asertivo y con plena vigencia. Un espectáculo denso, bien articulado en su puesta en escena por Costa Palamides para la co producción entre El teatro del Duende y la CNT se sostuvo de forma eficaz tanto en ritmo, buen decir y actuaciones memorables dadas por Francis Rueda, Aura Rivas, Gladys Prince, Ludwig Pineda y Vito Lonardo selló la realidad que el teatro y la dramaturgia nacional está viva más que nunca a través de ellos y, por supuesto del maestro Chalbaud.

Segunda lectura. La Fundación Grupo Teatral Dramart presentó en la Sala Rajatabla su propuesta Psicosis 4:48 de Sarah Kane y dirigida por Gabriela Carballido y la actuación de Moyra Ángeles. Un trabajo lúcido tanto por capacidad experimental, por osar al espectador a contemplar desde el unipersonal como se puede otear las oquedades existenciales del ser y desde ahí conjugar una dialéctica con las angustias del hombre moderno. Trabajo sintético. Casi de tono minimalista con apegado empleo del espacio y apoyo audiovisual que dice me expreso con fuerza que si hay caminos con explorar desde la investigación y el reto que supone hilar el lenguaje escénico con rigor e inteligencia. Uno de los trabajos más firmes de este festival y que debería ser promovido con más funciones. Un gran aplauso a este colectivo andino y que deben ser considerados a estar más tiempo en las salas de esta Caracas.

Tercera lectura: Vale bien salir de un teatro con la satisfacción de estar agradado y que uno está como el resto del público, eufórico. Esa sensación la derivé de constatar la escenificación de El Pretendiente que se sintoniza con la obra de Tennesse Williams “El zoológico de cristal”. Un trabajo fresco, desenfadado, bien actuado, que no tuvo sin que mostrar lo suyo y crear ese nexo vital con el público y al final, recibir una ovación desinhibida y fiel a lo que les hizo sentir. La Asociación Cultural Urbe con la concreta dirección de Rubén León y un texto que tenía mucho que decirnos en los espacios de la Sala Juan Sujo de la Casa del Artista fue realmente, sabrosa. Las actuaciones de Verónica Arellano, José Gregorio Martínez, Mariana Álvarez y José Luís Barrera en su epicentro histriónico que fue lo mejor de esa velada. Gracias a ellos, uno sale del teatro complacido y no como crítico sino como espectador. Una de la piezas que debería tener temporada después del FTC 2014. 

La Princesa Panchita



Elenco original. Teatro Tilingo

Por Bruno Mateo

@bruno_mateo
@avencrit

 

Aún después de 40 años, la puesta en escena de La princesa Panchita dirigida por el chileno radicado en Venezuela Oscar Figueroa sigue divirtiendo, entreteniendo y enseñando a los niños sobre el valor del amor, la pieza con diseños de vestuario del desaparecido Elías Martinello causó gran satisfacción este domingo 20 de abril de 2014 en  la sala Antonieta Colón del Centro cultural Parque Central, por cierto un lugar amable con un personal atento dispuesto a hacer de tu estadía un momento muy grato, la pieza se presentó dentro de la programación de teatro infantil de la 3era edición del Festival de teatro de Caracas “Nos estamos viendo” bajo la producción de la compañía juvenil de la escuela de arte dramático del estado Aragua con las actuaciones de Oriana Brando como La princesa panchita, María Elena Prieto es El hada Chepa, Raquel Romero (La Reina Pancha), Ángel Pérez (el Rey Pancho), Eduard Acosta es Carmelito, Yannine Champion hace de Reina Carmela, José Rodríguez interpreta al Rey Carmelo, Weston Liscano y José Agustín Vásquez es el Príncipe Juan, Simón Añez (Príncipe Azul) y Larry Álvarez es el Príncipe Rudo, música original de Luis Advis, escenografía de Patricio Del Campo, asesoría técnica corporal  y plástica de Rocío Rovira.

Elenco 2014

La puesta en escena  es digna y muy acompasada con los distintos ritmos de cada escena dramática que requiere el texto escrito. La escenografía es funcional y se usa para recrear los ambientes de la obra, cada cambio de cuadro escénico se realizaba sin ningún esfuerzo y dentro de la coreografía de la planta de movimientos. Los diseños de vestuario del fallecido Elías Martinello son atractivos y acordes con cada personaje amén del toque artístico en las líneas del estilismo. El maquillaje jugó un papel en la conformación gráfica de los caracteres, es decir todos los elementos fueron en función de una puesta en escena bien definida con la finalidad de tener un todo estético acorde con la estructura dramática.

Las actuaciones de todos los intérpretes estuvieron, técnicamente, acordes, lo que implica que poseen una buena formación actoral; ahora bien, caben destacar las interpretaciones de Raquel Romero como la Reina Pancha quien con su carisma logra envolvernos en donde cada  gesto, cada movimiento, cada mirada nos indica que se está creyendo lo que hace a la vez que nos vincula con la situación escénica y el trabajo interpretativo de Simón Añez como el Príncipe Azul  que llena el espacio desde el mismo instante que penetra en el escenario, su personaje es el toque de locura dentro de la “seriedad” de la situación. Muy buena proyección de voz y clarísima dicción.

La princesa Panchita se puede considerar un clásico del teatro infantil en Venezuela en donde todos los elementos constitutivos del todo teatral trabajan en función de lograr un significante estético y ¡Vaya que lo logró! después de cuarenta años el montaje merece el sitial de honor dentro del teatro para niñas y niños.

La máxima felicidad se busca en el III FTC 2014

Por Walter De Andrade

@deandradewal

@avencrit

Al crecer desechamos la familia heredada para escoger una nueva familia. Tal planteamiento es recurrente en la dramaturgia del venerado Isaac Chocrón (1933-2011) hombre fundamental en la historia del teatro contemporáneo venezolano. Una de sus piezas baluarte en esta idea es, sin dudas, La máxima felicidad, estrenada en 1974 y, que para este III Festival de Teatro de Caracas 2014, subió al escenario de la Sala Doris Wells (Casa del Artista) los días 19 y 20 de abril,  en propuesta del colectivo  Proyectos en Ebullición, bajo la dirección de Nelson Lehmann y con las actuaciones de Mayte Parias, Jornell Ariza y Gonzalo Cubero. 

La familia propuesta en este texto es atípica. En un “lindo experimento”, dos hombres y una mujer unen sus vidas para alcanzar la anhelada felicidad emocional: Pablo, de mediana edad, culto, impositivo; Perla, ama de casa entregada; y  Leo, el más joven, desprevenido y rebelde. Las diferencias de interés, la búsqueda personal, no exenta de egoísmo,  de cada uno de los tres, añaden a la relación las tensiones evidentes que refuerzan aquello de que “las relaciones son difíciles”. Este trío, en su ensayo de un nuevo modelo de familia debe enfrentar sus conflictos cotidianos poniendo a prueba sus nociones del compromiso y el amor. Un inesperado embarazo viene a romper el pretendido equilibrio numérico y añade nuevas perspectivas y retos. 

La propuesta, de tono naturalista, descansa en el trabajo actoral. Gonzalo Cubero  impulsa con su sapiencia histriónica el personaje de Pablo. Con entereza muestra su intención de erigirse en pivote y su insistencia en racionalizarlo todo. Mayte Parias muestra a una Perla por momentos inerte, llevada por los dictados del día a día, habituada a una zona de confort, solo resquebrajada por su embarazo inesperado y su consiguiente necesidad de justificación: “fue un error, no una trampa”, replica. Leo, en piel y voz de Jornell Ariza muestra su inconformidad esencial,  la rebeldía innata de la juventud, la necesidad reiterada de confrontar, subvertir. Las acciones se desarrollan con la familiaridad  que brinda un espacio escénico íntimo, recreación de un apartamento sin divisiones físicas, pero en el que cada personaje tiene marcado su propio espacio personal. La correcta iluminación de Gerónimo Reyes marca con sutileza las distintas ambientaciones y brinda atmósferas cálidas para una representación que acertadamente interpreta los caminos del autor, y brinda un espectáculo reflectante. El festival sigue dando muestras de lo que está hecho nuestro teatro.

Especial para el diario CiudadCCS, III Festival de Teatro de Caracas 2014